Forma e valore
Unire forma e pregio per creare una buona composizione
La maggior parte delle persone concorda sul fatto che i valori tonali sono importanti in un dipinto, ma è interessante notare che molte persone hanno difficoltà ad applicare questa comprensione nel proprio lavoro.
Il divario tra teoria e pratica è sempre un ostacolo, specialmente nell'acquerello dove gli errori non sono così facilmente correggibili; fare dei compromessi una parte di quasi tutti i dipinti. Ho pensato che avrei iniziato questo nuovo capitolo esaminando
quali sono i valori tonali, perché sono così importanti in un dipinto e forse ancora più importante come migliorare la tua comprensione su come utilizzare i valori all'interno di un dipinto per creare una buona composizione e un forte impatto.
Cosa sono i valori tonali?
Innanzitutto vorrei precisare che quando parlo di valori tonali, mi riferisco al loro utilizzo all'interno di un quadro. I valori tonali fanno ovviamente parte della vita di tutti i giorni e sono sempre intorno a noi, ma c'è una grande differenza tra la realtà e un dipinto.
Un dipinto è creato su una superficie bidimensionale, non c'è profondità o spazio, non c'è luce o ombra, non ci sono influenze atmosferiche come nebbia, foschia, calore... Un dipinto è una serie di illusioni create attraverso l'applicazione e manipolazione della pittura, e in larga misura il risultato di una varietà di valori tonali ben scelti. Quindi cosa sono esattamente i valori tonali? I valori tonali sono graduazioni nell'intensità di un colore da chiaro a scuro. La scala dei valori inizia con il bianco e termina con il valore scuro più scuro che in teoria è il nero. Nella pittura viene spesso utilizzato un intervallo di valori di scala 11: 0 che rappresenta il nero e 10 che rappresenta il bianco, passando attraverso le diverse gradazioni tra i due.
a cosa servono?
I valori tonali sono usati in un dipinto per creare un'illusione di luce, atmosfera, profondità e volume. A causa di fattori esterni, ad esempio cambiamenti nell'illuminazione o nelle condizioni atmosferiche, il colore di un oggetto sembra fluttuare e questi cambiamenti lo faranno
determinare l'atmosfera che circonda il soggetto. Per esempio. Una giornata molto soleggiata creerà forti contrasti di valore tonale, colori forti e spigoli netti mentre, lo stesso identico soggetto visto ad esempio al mattino presto potrebbe essere quasi irriconoscibile a causa delle diverse condizioni climatiche, scarsa illuminazione e forse un'atmosfera nebbiosa che si tradurrà in il dipinto come una gamma di valori tonali bassi, colori tenui e bordi sfumati. Il mio consiglio: la chiave per dipingere un'atmosfera credibile è avere un'immagine chiara nella tua mente di ciò che vuoi ottenere, scegliere la gamma di valori tonali che si adatta a quella particolare atmosfera e poi attenersi ad essa fino alla fine del dipinto! Per creare un dipinto in cui la luce, lo spazio e l'atmosfera siano convincenti e coerenti in tutto il dipinto, l'artista deve tenere conto dei valori tonali di ciascun soggetto all'interno del dipinto al fine di creare volume, forma e consistenza plausibili e rispettare anche la logica della luce, dello spazio e dell'atmosfera scelti per il dipinto. Provare a immaginare un dipinto tradizionale senza luci e ombre, senza profondità o volume, non funziona. Possiamo immaginare un dipinto astratto o moderno senza profondità o luce, ma nel mondo dell'arte tradizionale questo significa disastro!
Valori tonali in acquerello
L'acquerello ha una qualità unica: i valori graduati di un colore sono ottenuti utilizzando un pigmento spesso opaco per raggiungere il valore scuro più scuro del colore (masstone) o diluito con acqua per ottenere i valori più chiari. Nella pittura a olio le tinte (valori più chiari del colore del corpo) si ottengono aggiungendo il bianco al colore del corpo e le tonalità (valori più scuri del colore del corpo) si ottengono aggiungendo il nero al colore del corpo. Anche questo si può fare ad acquerello, il mio tubetto bianco è una parte importante della mia tavolozza. Aggiungendo il bianco ai tuoi colori otterrai una nuova gamma di colori. Ogni colore ha il suo massimo valore scuro, alcuni colori non diluiti come Phthalo Green Blue Shade (PG7) o Winsor Violet (Dioxazine) (PV23) appaiono virtualmente neri, mentre altri colori come i Cadmium o i Cobalts sono molto più chiari nel valore tonale, anche nel loro stato più opaco. Ogni colore ha la sua gamma di valori tonali. Per dipingere l'intero spettro della scala dei valori tonali con trasparenza e fluidità, è importante capire quali colori sono i migliori per creare lavaggi scuri puliti e quali è meglio evitare. Più scuro è il pigmento quando non è diluito, migliore sarà la creazione di un lavaggio scuro. È interessante notare che, a parte i marroni e i neri, tutti gli altri colori che hanno un valore naturalmente scuro quando non sono diluiti hanno un carattere molto trasparente e quindi creano facilmente grandi ombre trasparenti. Ti suggerisco di avere a portata di mano la cartella colori del marchio dell'acquerello che usi poiché ogni colore dovrebbe apparire sulla carta in un lavaggio graduato dal suo buio più scuro a un valore medio, rendendo molto facile vedere quali colori hanno valori naturalmente scuri.
Comprendere il cambiamento di colore
Ogni acquerellista sa che l'aspetto degli acquerelli appena stesi cambia quando si asciugano. Alcuni colori cambiano leggermente e altri cambiano in modo spettacolare. Abbiamo tutti subito l'inganno di posare su un bellissimo lavaggio scuro e profondo solo per trovarlo asciutto in un valore medio opaco. La differenza tra il colore bagnato e il colore secco è chiamata 'Drying Shift'. Il turno di asciugatura è qualcosa che impari mentre procedi, attraverso prove ed errori, frustrazione ed eccessiva perdita di capelli! Oppure puoi leggere su questo argomento fin troppo poco documentato in uno speciale rapporto tecnico sul "turno di asciugatura" a pagina 72 di "The Complete
Book of Watercolour” (disponibile su: https://fr.divertistore.com – Digitare 1641 nella barra di ricerca).
Valori tonali, colore e forma: la relazione
I valori tonali non possono esistere senza forma o colore e viceversa il colore non può esistere senza valori tonali e forma e infine la forma non può esistere senza valori tonali e colore. D'altra parte, forma e valori tonali richiedono solo un colore per esistere. Basti pensare a un dipinto monocromatico in cui i valori e le forme cambiano, ma viene utilizzato un solo colore. Il contrario, tuttavia, non funziona nella pittura tradizionale: un dipinto con una varietà di colori e forme ma con un solo valore tonale è molto difficile da capire. Sebbene il rapporto tra valori tonali, colore e forma sia molto stretto, è ovvio che il rapporto tra valori tonali e forme deve essere prioritario rispetto a quello del colore. Il colore è uno strumento molto potente per aggiungere emozione e aumentare l'atmosfera in un dipinto, ma non è uno strumento essenziale nella struttura del dipinto. Ogni buon dipinto monocromatico ne è testimonianza. Nella mia mente, è quindi più importante ottenere il giusto rapporto tra valori tonali e forme e lavorare sul colore una volta che ti senti abbastanza a tuo agio con gli altri due. È estremamente difficile concentrarsi contemporaneamente sul colore e sui valori. Una volta che i valori tonali diventano una seconda natura per te, introduci lentamente un colore alla volta. Una volta che ci sono due o più colori in un dipinto, il ragionamento di base dell'artista deve adattarsi. Questa è la parte difficile: la domanda "La mia forma è abbastanza scura o chiara?" non basta più. L'artista deve porre le seguenti domande ad ogni tratto: “La mia forma è abbastanza scura o chiara? Il mio colore è abbastanza caldo o freddo? Il mio colore è abbastanza brillante o spento?". Ogni forma ora richiede tre risposte diverse per sapere cosa applicare per ottenere i migliori risultati e questo richiede un po' di tempo per abituarsi e si ottiene al meglio passo dopo passo.
Combinare forma e pregio per creare una buona composizione
Che sia un punto, una linea o una linea, ogni segno posto sulla carta assume una forma. Alcune forme sono figurative e altre sono astratte. Alcune forme rappresentano gli oggetti nel dipinto, altre forme rappresentano gli spazi tra loro. La parola 'forma' comprende tutte le masse all'interno del dipinto; piccolo o grande, semplice o complesso e questo è solo l'inizio! Le forme sono strumenti meravigliosi, uno dei miei preferiti, in quanto non sono solo entità individuali, ma sono anche un attore importante quando si tratta di creare il design di un dipinto e quindi il suo impatto complessivo. Gli artisti che sono in grado di utilizzare i valori tonali e le forme a proprio vantaggio sono chiaramente superiori agli altri.
Primo aereo: il design, il quadro generale
È qui che entrano in gioco solo le grandi masse e dove dovresti cercare di avere un impatto potente. Un dipinto dovrebbe poter essere suddiviso in circa 2 o 3 grandi forme, che dovrebbero essere collegate tra loro in modo estetico da un valore dominante (valore chiaro, medio o scuro a seconda della tua idea iniziale). Il disegno del dipinto sarà visibile al meglio da una distanza di circa 3 o 5 metri, a seconda delle dimensioni del dipinto. Questa distanza assicurerà che vengano viste solo le grandi masse poiché qualsiasi altra cosa è semplicemente troppo piccola per essere vista. Un forte contrasto nei valori tonali tra queste due o tre forme aumenterà l'impatto del dipinto.
Secondo piano: conoscere l'argomento
Da una distanza di circa 2 o 3 metri dovremmo poter cominciare a vedere le masse intermedie della composizione e cominciare a farci un'idea del contenuto del dipinto. Per garantire un forte impatto, i contrasti tonali che si riscontrano in queste forme dovrebbero essere più deboli di quelli che si riscontrano nel primo piano del dipinto, altrimenti guardando il dipinto da lontano prevarranno i contrasti più forti e la forma delle masse più grandi sarà perso insieme al suo impatto. Qui i valori tonali giocano un ruolo importante nel guidare l'occhio dell'osservatore intorno al dipinto, da un'area all'altra a scelta dell'artista. La sottigliezza è la chiave in quanto il soggetto dovrebbe ora sembrare assumere un ruolo più importante rispetto alle masse. Poiché all'interno di questa parte della composizione sono presenti più forme di dimensioni intermedie, è molto importante utilizzare un valore tonale comune per collegare le forme o almeno bilanciare le forme.
Terzo piano: perdersi nei dettagli
Da vicino e personale, è qui che vuoi essere per vedere i minimi dettagli di un dipinto. Non c'è niente di peggio di un forte dettaglio travolgente che soffoca qualsiasi forma più leggera (e quindi anche la composizione!). Finiscono semplicemente per fluttuare sulla carta e distrarre l'occhio. Il dettaglio dovrebbe essere la ciliegia, non la torta. Fai attenzione che le tue forme e i tuoi valori siano trattati in modo simile: abbassa il contrasto del valore tonale e indebolisci i bordi delle forme e in altre aree, rafforza i contrasti del valore tonale e rendi più nitidi i bordi. Pensa ai valori e alle forme tonali come all'alloro e all'ardito della tua pittura e ti divertirai moltissimo a lavorare con loro!